Уайет, Эндрю (1917-2009)
На фоне других явлений американского искусства 20 века, заявивших о себе непривычной формой, шокирующей программой или ее демонстративным отсутствием, искусство Эндрю Уайета кажется слишком скромным. Небольшого размера почти монохромные картины, непритязательные зарисовки с натуры, скупые по цвету акварели. Всем своим творчеством Уайет подчеркнуто противостоит тенденции завоевания новых пространств в искусстве, освоения нетрадиционных средств. "Моя задача — скрыть средства, которыми я пользуюсь, не дать технической манере встать между выразительностью моих работ и зрителем". Путь Уайета — это аскетизм, сознательное ограничение круга своих интересов, занятий, даже среды обитания.
Эндрю был пятым ребенком в семье Ньюэлла Конверса Уайета — известного художника, иллюстратора, сохранившего романтическое восприятие жизни как борьбы добра со злом. Ньюэлл Конверс счел счастливым предзнаменованием то обстоятельство, что его младший сын родился в день столетия со дня рождения великого Генри Давида Торо — писателя, чьи утопические философские идеи были ему очень близки. Рано проявившиеся у Эндрю способности к рисованию были замечены отцом, ставшим его первым и единственным учителем в изобразительном искусстве. В детстве Эндрю много болел, а потому вынужден был учиться дома, проводить время в кругу близких или в одиноких прогулках по окрестностям. Родительский дом в маленьком городке Чаддс Форд в штате Пенсильвания стал для Эндрю Уайета центром мироздания, вокруг которого формировались все его художественные и жизненные взгляды.
Жизнь и творчество Э. Уайета сосредоточены были в двух точках огромной страны — в родном Чаддс Форде и в Кашинге, маленькой деревушке на побережье штата Мэн, куда Уайет и его жена Бетси переезжали на лето. Это добровольное затворничество принципиально. "Вы понимаете, — объяснял Уайет, — после путешествия вы никогда не возвращаетесь тем же — вы делаетесь более эрудированным, вы получаете больше знаний. Я могу потерять что-нибудь очень важное для моей работы, может быть, наивность". Так Эндрю Уайет стремился оградить созданную им хрупкую и целомудренную гармонию от грубых внешних воздействий.
Несмотря на то что Уайет сформировался как художник под воздействием своего отца, его искусство совсем не похоже на развернуто-повествовательные, интригующие своим сюжетом полотна Ньюэлла Конверса. Свои первые "взрослые" произведения Эндрю Уайет создал в конце тридцатых годов. В 1937 году состоялась первая выставка его акварелей в галерее Макбет в Нью-Йорке. В качестве сюжетов для своих работ молодой художник выбирал пейзажи в окрестностях Чаддс Форда, а чаще — отдельные детали пейзажа: одинокое дерево, кусок пожелтевшего поля, пучок травы, запорошенные снегом поздние ягоды. Акварели поражали профессиональной тщательностью исполнения и глубоким знанием тайной жизни природы.
Период конца тридцатых годов был особенно важен еще и потому, что именно тогда под руководством Питера Херда, мужа сестры, Уайет освоил технику темперной живописи. Эта техника дала Уайету необходимую ему строгость выражения, "сухость" (одно из любимейших слов мастера). Художник пишет на досках из прессованных опилок, покрытых несколькими слоями гипса и протертых наждачной бумагой; он пользуется минеральными красками, замешанными на яичном желтке. "Темпера хороша для стен комнат, осиного гнезда или улья. В ней есть какая-то пыльная красота" — это наблюдение Уайета метафорически характеризует колорит его собственных картин, желтовато-серый, приглушенный, как бы пронизанный неярким осенним светом,
Герои произведений Уайета знакомы художнику с детства и любимы им. Однажды летом 1947 года Уайет познакомился в Кашинге с семьей Олсонов: братом и сестрой Альваро и Кристиной, их фермой и образом жизни. С этого момента и до 1968 года Кристина Олсон стала главной героиней своеобразной изобразительной хроники, прославившей и художника, и его модель. Первой в серии картин из жизнеописания Олсонов была "Кристина Олсон" (1947, США, частное собрание). Немолодая и некрасивая женщина изображена сидящей на пороге деревянного дома, а через открытую дверь врывается ветер, солнечный свет и запах трав. Застывшая без движения угловатая фигура, невидящий взгляд передают характер героини — сосредоточенный и самопогруженный. Кристина Олсон перенесла в детстве тяжелую болезнь и осталась парализованной. Но она сумела сохранить твердость духа, желание жить и умение наслаждаться теми радостями, что дарит человеку созерцание природы, единение с ней. Именно эти качества представляются Уайету главными духовными ценностями.
Вторая картина, моделью которой вновь послужила Кристина Олсон, стала самым знаменитым произведением Уайета. "Мир Кристины" (1948, Нью-Йорк, Музей современного искусства) одновременно жесток и гармоничен. Распростертая на земле фигура женщины в розовом платье выглядит "как высохшая раковина омара, выброшенная на берег и раздавленная". Так сам Уайет описывал то потрясение, которое он испытал однажды при виде Кристины, ползущей к дому. Но в то же самое время эта беспомощная фигурка, кажется, черпает из земли ее природную силу: напряжены неестественно выгнутые руки, разворот тела выражает стремление вперед. Для создания образа-символа художник прибегает к совмещению перспектив. Ферма Олсонов видна снизу; с точки зрения ползущей расстояние до нее непомерно и непреодолимо. Но бесконечная, как бы встающая дыбом выжженная солнцем земля оборачивается панорамой мирозданья, которое, подобно воронке, вновь сворачивается вокруг фигуры Кристины.
Дыхание живого пространства, неожиданное для скрупулезной и сухой манеры Уайета, обязательно вторгается в лучшие из его работ. "Ветер с моря" (1947, США, частное собрание), "Молодая Америка" (1950, Филадельфия, Пенсильванская Академия художеств), "Северная точка" (1950, Хартфорд, Уодсворт Атенеум), "День Крота" (1959, Филадельфия, Музей искусств) — все эти картины роднит между собой ощущение бесконечного свободного пространства, присутствие которого раздвигает строго ограниченные рамки предметного мира Уайета.
Каждое произведение Уайета — точный портрет местности, дома или вещи. Художник говорит, что любит, "лежа на земле, изучать какой-нибудь цветок или сухую травинку", "вживаться в их бытие", И люди становятся объектом столь же пристального изучения. На протяжении десятилетий заходил Уайет на соседнюю ферму Кернеров, наблюдая повседневную жизнь семьи. В результате возникли "Портрет Анны Кернер" (1971, США, частное собрание) и многочисленные акварели — "Вечер у Кернеров" (1970), "Кернеры" (1971) и другие.
Работая в технике акварели, Уайет ищет созвучный его мировосприятию способ выражения. Большинство его акварелей написаны методом сухой кисти, когда краска кладется на бумагу полностью отжатой кистью. Создаваемый таким образом эффект плотной сухой поверхности аналогичен впечатлению от темперной живописи. Иногда Уайет сочетает сухую и мокрую кисть, добиваясь игры плотного и прозрачного тона — тогда в мелочно прописанные акварели врывается тот же сквозной ветер, делающий самую незаметную травинку частью огромного космоса.
Особый раздел в творчестве Уайета составляют портреты близких. Помещая самых дорогих ему людей в стихию природы, художник объединяет частное и всеобщее. При этом личные черты становятся анонимными, растворяются в бытии. Даже названия произведений отражают этот процесс поглощения частностей: портрет маленького сына, сидящего в поле, назван "Вдали от дома" (1952), изображения жены, лежащей в траве — "Отдаленный гром" (1961) или "Сборщица ягод" (1961). Кульминацией этой тенденции может служить "Шагающий по сорной траве" (1951, США, частное собрание) — автопортрет художника, на котором зритель видит лишь ноги в сапогах, ступающие по пожухлой траве.
Есть у Уайета и портреты другого типа, более традиционные с точки зрения жанра. При всей пуританской строгости палитры и простоте композиции такие работы, как "Николас" (1955) или "Дочь Магги" (1966), проникнуты теплотой, пониманием и участием. Может быть, лучший среди них — знаменитый "Сын Альберта" (1959, Осло, Национальная галерея). Недаром герой этого портрета, мальчик с отрешенным взглядом голубых глаз, ассоциируется с ранимыми и незащищенными персонажами рассказов и повестей Дж.Сэлинджера. Подобно Холдену Колфилду из повести "Над пропастью во ржи", "Сын Альберта" Эндрю Уайета стал символом целого поколения молодых американцев.
Произведения Эндрю Уайета, созданные на протяжении последних шестидесяти лет, очень не похожи на остальное искусство США. Тем не менее художник заслужил и официальное признание. Избранный в 1955 году членом Американской академии искусств и литературы, Уайет неоднократно участвовал в выставках по всей стране и за рубежом. В 1977 году состоялась его персональная выставка в музее Метрополитен в Нью-Йорке, а в 1978 году Э.Уайет был избран почетным членом Академии художеств СССР. Известный всему миру, Уайет никогда не покидал пределов штатов Пенсильвания и Мэн. В динамичном современном мире он нашел себе убежище: "Я родился здесь и всю жизнь провел среди этих холмов. Мои картины органически связаны с этим краем, в чем, по-моему, их главная ценность".